mercredi, mai 09, 2007

H2G2 EN BLU-RAY : Entretien avec le compositeur Joby Talbot

En avril 1978, Douglas Adams créait un feuilleton radiophonique événement sur Radio 4 (BBC). Moitié odyssée de science fiction, moitié comédie satirique, c’était en même temps une nouvelle manière d’envisager la nature de la réalité. Entre astrophysique, philosophie et délire, l’émission devint bientôt un livre, The Hitchhicker’s Guide To The Galaxy (une trilogie en cinq tomes !), puis une série télé, puis l’un des premiers sites internet de l’histoire, puis… un film, au scénario signé de l’auteur, peu de temps avant sa disparition.
Véritable phénomène de société, le Guide a passionné tout autant les scientifiques (2OO d’entre eux ont même intitulé l’un de leur congrès « Don’t Panic ! » -le sous-titre du Guide- en 1998) que les artistes. C’est ainsi que George Lucas, Paul McCartney ou les Pink Floyds (avec qui Douglas Adams s’est d’ailleurs produit en concert !) comptent parmi les plus grands fans du fameux compendium. Sans compter Joby Talbot qui, entre deux répétitions avec l’ex-chanteur et bassiste des Beatles (lui aussi !), a accepté de répondre à nos questions.


42, C’EST TOUT SIMPLEMENT LA REPONSE A L’ULTIME QUESTION DE LA VIE...

Connaissiez-vous le livre avec d’aborder le film ?
Je l’ai découvert à l’âge de 11 ans. J’avais donc le livre, mais aussi le disque tiré de la série passée à la radio en 1978, que je me passais tout le temps. Je connais tout de cet univers mot pour mot. Je suis un très très grand fan ! Et quand on m’a demandé de faire la musique du film, je ne pouvais pas y croire. Je trouve que l’adaptation réalisée par Garth Jennings est proprement remarquable, à la fois imaginative et très fidèle au livre.

Vous avez commencé dans la musique avec le groupe The Divine Comedy. Comment passe-t-on de la pop à la musique de film ?

Je faisais les arrangements orchestraux pour le groupe et j’ai joué du clavier pendant quelques années. Mais dans le même temps, je composais de la musique de concert, ainsi que des musiques pour la télévision. J’ai une formation classique, à la Gildhall School of Music and Drama de Londres. C’est passionnant de pouvoir jouer sur des tableaux aussi différents, chacun inspirant l’autre. Et mon rêve a toujours été d’écrire pour le cinéma

Quel est votre rapport à la musique de film, et à la musique de film de science fiction en particulier ?
Les années 70-80 ont été une sorte d’âge d’or pour le genre. Songez aux musiques de John Williams pour STAR WARS bien évidemment, mais aussi de Jerry Goldsmith pour LA PLANETE DES SINGES ou de Vangelis pour BLADE RUNNER. Ce sont de véritables modèles. En composant pour H2G2, je ne pouvais que m’inscrire dans cette tradition, ou plus exactement écrire par rapport à cette tradition…


Comment avez-vous été choisi pour faire partie de cette aventure ?
Le réalisateur Garth Jennings et moi sommes amis depuis quelques années. Nous avons fait une publicité ensemble par le passé. Nous nous sommes rencontrés par le biais de Nigel Goldrich, le producteur de Radio Head et d’un disque de The Divine Comedy. Garth lui avait parlé de son désir d’avoir une musique symphonique, très cinématographique pour sa publicité et Nigel lui a parlé de moi. Sur ce projet, il y avait aussi le producteur Nick Goldsmith, qui produit également H2G2. Ce fut une excellente collaboration, et quand Disney a lancé le projet, ils n’ont pas eu à chercher bien loin pour leur compositeur ! Je leur suis très reconnaissant d’avoir pris ce risque considérant le fait que je n’avais jamais écrit de véritable musique de film auparavant. Là, j’ai pu travailler avec les meilleurs musiciens londonniens et enregistrer dans le meilleur studio du monde, Air Lyndhurst. Ce fut une expérience inoubliable.


SO LONG AND THANKS FOR ALL THE FISH !

Le film commence très fort avec ce générique aux limites de l’absurde, basé sur l’opposition entre une musique sombre et dramatique et ce chant choral sur des paroles ridicules, So Long And Thanks For All The Fish, dans le plus pur esprit du livre !
Ce rythme de percussions est directement inspiré de celui qu’on peut entendre au milieu de DIAMONDS ARE GIRLS’BEST FRIENDS avec Marylin Monroe. Garth voulait ouvrir son film sur quelque chose de totalement inattendu pour un film de science fiction, et nous avons imaginé le plus grand contraste possible, tout en gardant une approche excitante. C’est une surprise quand les percussions arrivent comme cela, tout comme le moment où le chœur entre en scène. Rien à voir avec la grande musique thématique que l’on a l’habitude d’entendre à ce moment. Celle-là, nous l’avons gardé pour plus tard !

Comment avez-vous conçu cette chanson des dauphins ?
Garth m’a dit que cela faisait plus de vingt ans qu’il essayait de faire ce film et qu’il fallait que l’ouverture en soit très spéciale. Il m’a demandé si je pouvais écrire quelque chose dans le style de Buddy Birkely, celui des grandes comédies musicales film de la MGM. Nous savions que le film allait commencer avec les dauphins et leur énigmatique message et l’idée est venue de faire quelque chose dans ce style pour bien marquer l’ouverture du film. Je suis donc venu avec des paroles et une musique arrangées par mon collaborateur Christopher Austin. Quand nous étions arrivés à une structure convenable, Garth était en train d’arriver à mon studio avec des idées magnifiques et lyriques, et nous avons fini par arriver à l’idée d’ajouter une version déjantée de chanson. Puis, je suis passé à l’orchestre, pour enregistrer avec un ensemble de 90 musiciens. L’ensemble était sensé renouer avec le son des grands ensembles qu’on pouvait entendre il y a quelques décennies dans des films comme BAMBI. Ce fut difficile car le style d’interprétation des orchestres a changé depuis temps l’âge d’or hollywoodien, mais cette grandiloque, ainsi que l’émotion de la partie centrale, très caractéristique de ce genre, m’a semblé bien fonctionner Ce fut très délicat car, dans une expérience comme cela, soit on réussit à 100 % et c’est un grand succès, soit on n’y parvient pas et l’on se fait très mal.




Pouvez-vous nous parler de votre musique accompagnant la destruction de la Terre ?
Ce fut l’une des premières musiques que j’ai écrites car, pour cette séquence entre autres, Garth voulait avoir la musique avant de tourner les images afin de les monter d’après la musique. Il fallait trouver un moyen de partir de la Terre pour se retrouver dans l’espace sans utiliser ce cliché du travelling arrière. Il a donc trouvé cette alternative d’une suite brutale de plans fixes se succédant au rythme de la musique. C’est certainement le plus grand crescendo et la plus grande accélération orchestrale de l’histoire ! J’ai donc commencé par une démo et Garth voulait qu’elle ne dure pas moins de 30 secondes au lieu des quelques secondes qu’on attendrait normalement pour ce genre de séquence. Il l’a ensuite donnée aux responsables des effets visuels qui lui ont fait la même réflexion. Mais Garth a tenu bon : pour lui, ce n’était pas trop long. Et c’est justement cette longueur qui a imposé cet aspect monumental. Et c’est d’autant plus sensible que l’explosion finale, qu’on attendrait de la même ampleur, est ridiculement discrète, dans un véritable anti-climax !

La présentation du Guide est, elle aussi, très savoureuse, avec ce banjo pour le moins insolite, en particulier dans un film de science fiction !
La musique originale de la série radiophonique et de la série télé était inspirée d’un air de Eagles appelé Journey Of the Sorcerer, et c’est le thème que l’on entend dans le film à ce moment. Et comme l’original était joué au banjo, j’ai tout simplement repris cette instrumentation, à la différence qu’à l’origine, c’était un groupe rock qui l’accompagnait et qu’aujourd’hui, c’est un orchestre symphonique, plus cinématographique. J’adorais ce thème dans la série, ce qui fait que j’ai eu plaisir à le réemployer. J’espère que cela produira la même émotion dans le public. Il est vrai que le banjo n’est pas vraiment un instrument habituel en science fiction, mais le fait est que cela fonctionne. Il apporte un côté plaintif et solitaire assez inédit. Mais il y a aussi ce côté absurde : pourquoi un banjo là-dedans ? Après l’anti-climax de l’explosion puis le vide intersidéral, cela crée, je pense, un effet intéressant.


Quelle fut votre stratégie quant à l’utilisation des thèmes ?
Le thème principal du film est assurément So Long And Thanks For All the Fish. L’idée était de ne pas sacrifier à la mode du thématisme traditionnel et de réserver ce thème pour un moment très éloigné, lorsqu’on découvre la nouvelle version de la Terre. C’est à ce moment qu’on se rend compte que ce n’est pas le thème des dauphins, mais bien celui de notre planète. Sinon, il y a un thème d’amour, un thème pour Trillian et une cellule rythmique pour Arthur, utilisés de façon plus classique.



« VOGONS » A TRAVERS L’UNIVERS …

Quels furent les challenges d’une telle partition ?
La difficulté a été de maintenir une unité dans cette partition tout en faisant appel à des styles extrêmement différents, de la comédie musicale à la musique électronique, en passant par la musique mexicaine et la musique symphonique. Pour ce faire, j’ai essayé de simplifier le plus possible mes thèmes de sorte qu’ils soient le plus possible adaptables à toutes les circonstances possibles. Vous savez, les musiques des deux premiers STAR WARS comptent parmi les plus belles jamais écrites. Elles ont fixé des standards de nature opératique pour toutes les musiques de films à venir. Et si vous regardez ces films, vous vous rendez compte que George Lucas a délibérément laissé beaucoup de place à la musique et plus précisément à l’exposition des Leitmotive de sa partition. Par exemple, lorsqu’on découvre Luke Skywalker à l’écran, il ne se passe rien. Il n’y a qu’un grand vide pour laisser toute sa place à la musique. H2G2 ne pouvait s’offrir ce luxe. Le film est principalement basé sur les dialogues. Ce n’est vraiment qu’à la fin du film qu’il y a un peu plus de place pour la musique et pour son développement. Pour le reste, son rôle est plutôt de ponctuer les dialogues. Une approche vraiment traditionnelle n’aurait pas marché du point de vue structurel. De plus, il n’y a pas, dans H2G2, de figure héroïque comparable à un Luke Skywalker. Tous les personnages sont pétris de défauts ; ils sont très humains. C’est d’ailleurs de là que tient l’aspect comique du film.

Cela a certainement demandé beaucoup de soin et de précision pour trouver la place idéale de la musique lors de la spotting session.
En effet. La séquence la plus problématique a certainement la séquence du sauvetage de Trillian car c’est un moment dans l’histoire qui demandait a priori une grande musique d’action à la Indiana Jones. Mais au lieu de cela, ils doivent attendre dans un bureau en faisant la queue avant de devoir argumenter en face d’un monstre massif armé d’un stylo… De fait, les dialogues devaient être entendus pendant toute cette section. Le problème tenait précisément au conflit entre les besoins dramatiques de la musique et les dialogues. Au final, j’ai apporté beaucoup de soin au fait de ne pas rentrer en conflit avec les dialogues. Certains compositeurs ne se posent pas ce genre de questions : ils écrivent leur musique et laissent le soin au monteur de régler les niveaux sonores. Ma préoccupation était de faire une musique qui ait sens en tant que musique. Il ne fallait pas la brider au montage, mais au contraire qu’elle tisse sa toile à l’intérieur de la scène. Pour ce faire, j’ai pu compter sur la précision et le talent de mon orchestrateur sur ce film, Christopher Austin. De cette façon, ni les dialogues ni la musique ne sont lésés.

La difficulté tient certainement aussi au ton de la musique. Ainsi, au début est-elle principalement ironique, au second degré, alors que dans la seconde moitié du film, est plus objective, plus directe, comme dans la magnifique séquence de la visite de la fabrique de planètes avec Slartibartfast.
C’est ma scène préférée ! J’en ai écrit la musique avant le tournage. C’est un moment important de l’histoire. L’ordinateur Pensées Profondes vient de révéler le secret de l’univers et Arthur cesse de se compter comme un beauf et prend son destin en main. C’est à ce moment qu’il commence à être réellement affecté par ce qu’il voit et vit, et c’est aussi le moment où il s’accepte lui-même et reprend goût à la vie. C’était le moment idéal pour que l’orchestre prenne enfin de l’ampleur, pour qu’il prenne enfin son envol. J’ai eu grand plaisir à mettre en musique ce moment crucial ! Mais toutes ces difficultés font en même temps la beaucoup de H2G2 et constituent sans doute la raison de son succès depuis toutes ces années. Cette histoire est tout à la fois drôle, profonde, ou encore peut elle être lue comme l’œuvre d’un éco-activiste sur l’arogance des hommes envers la planète.

Quel bilan tirez-vous de cette première grande expérience cinématographique ?
Ce fut une sorte de montagne russe. La tâche était titanesque. Il y a eu énormément de musique à composer, dans des styles très différents. Mais en même temps, j’ai bénéficié d’un très grand soutien de la part du réalisateur et du studio. On entend souvent des histoires horribles à propos des studios. Moi, je n’ai eu qu’à me féliciter de travailler avec Disney et je suis très impatient de pouvoir retravailler avec eux et avec Garth Jennings !

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