HIGH SCHOOL MUSICAL 2 AUX WALT DISNEY STUDIOS: Entretien avec le directeur musical Robert Fienga

Nous avons déjà eu le plaisir de recevoir Robert Fienga, orchestrateur, arrangeur et chef d'orchestre de Disneyland Resort Paris, dans nos colonnes, à l'occasion du lancement du 15e anniversaire du parc.

Il nous revient aujourd'hui avec le tout nouveau spectacle des Walt Disney Studios, High School Musical 2 dont il est le directeur musical.

L'énergie et le talent sont toujours au rendez-vous, et c'est un musicien heureux que nous avons retrouvé, heureux de prolonger l'aventure High School Musical initiée l'année dernière, avec une équipe soudée et dynamique!

Pouvez-vous nous présenter le nouveau spectacle des Walt Disney Studios, High School Musical 2?
Nous retrouvons cette année une partie de l'équipe de l'année dernière, qui était déjà très soudée. Il est certain que High School Musical 2 est plus difficile que High School Musical on Tour. Les chansons sont très modernes, très pop et les voix de garçons sont très haut perchées. On va jusqu'au registre extrême du ténor. Après, j'aime encore plus ces chansons car je trouve que les styles sont encore plus diversifiés, du pop-rock au funk en passant par le RnB et le Ska, et les arrangements plus sophistiqués, ce qui rend les choses plus compliquées pour notre mix sur scène. Il y a moins de place pour, comme on dit, "poser les voix" sur le mix. Si vous écoutez le 1 et le 2 d'affilée, vous vous rendrez compte de cela, que c'est beaucoup plus moderne. On garde ce son de marching band de lycée qui est en quelque sorte la signature sonore de High School Musical mais avec un sound design beaucoup plus élaboré.

Comment avez-vous reçu, puis adapté les arrangements venus de Floride?
Nous avons eu beaucoup de plaisir à découvrir ce matériel. A partir de là, nous nous sommes attelés à ce que les chansons puissent être bien chantées et donc à répartir et diviser toutes les parties vocales pour nos quatre chanteurs (sachant qu'ils ne sont que trois à Walt Disney World). Et puis, il y a cette idée de "package" dont je vous parlais, qui impose de s'adapter aux possibilités vocales de nos artistes. S'il ne s'agissait que de chanter, il n'y aurait pas besoin d'adaptation. Mais il faut à la fois chanter, danser et interagir avec le public. De plus, les anglais doivent parler français et les français doivent parler anglais car le lien avec le public est fondamental dans notre spectacle. Ce qui veut dire qu'à un moment donné, il faut faire des concessions et c'est là qu'arrivent les difficultés car il faut faire intervenir plusieurs techniques et plusieurs registres de voix. Il faut pouvoir avoir une voix de gorge très puissante, tout en ayant la légéreté et la souplesse d'une voix de tête ou de falsetto pour tout ce qui est "vibes" du style moderne d'aujourd'hui. Nous avons donc évalué le potentiel de notre cast afin de nous adapter à eux. Déjà, du fait que nous avons quatre solistes, les choses doivent être plus divisées que sur le spectacle américain. Cela veut dire qu'aux Etats Unis, il y a très souvent une fille pour la voix du haut tandis que les garçons sont divisés en deux. Chez nous, nous avons fait deux voix de filles et deux voix de garçons. Parfois, on double la voix du haut. Nos chanteurs chantent à quatre voix dans le meilleur des cas, mais quand ils ont beaucoup à bouger, ils ne peuvent plus garder la juster. C'est dans ces cas-là que je simplifie l'harmonie pour assurer un équilibre entre la qualité vocale et la présence scénique. On privilégie toujours l'efficacité sur la sophistication.

En quoi consiste votre travail, en tant que directeur musical des deux spectacles High School Musical?
Tout commence par les auditions. Cette année, c'était à Paris et à Londres. Et à partir de là, une fois que le cast a été évalué et quand nous avons déterminé les lignes de force de ce que nous voulions faire pour chaque chanson, en collaboration avec Katy, nous proposons nos solutions au cast pour voir comment ils réagissent. J'interviens donc principalement en pré-production, en tant que directeur musical du spectacle, pour gérer toutes ces questions pratiques de mise en place du spectacle et d'élaboration de la bande-spectacle. Concrêtement, mon rôle est d'évaluer les modifications à apporter en matière de mixage des instruments et des chœurs de la bande pour s'harmoniser avec la performance de nos chanteurs. Puis j'interviens lors des répétitions sur scène. Là, mon rôle est de recevoir le retour des artistes qui me font part de leurs problèmes techniques et je fais le lien avec l'équipe audio. Nous avons un système audio qui associe le char et les parade poles, les haut-parleurs du parc et c'est à moi d'aider à équilibrer cet ensemble pour avoir la puissance qui vienne du char, temporisées par les parade poles. Une autre difficulté vient du fait que nous avons deux arrêts, en deux endroits différents, avec une acoustique différente pour chaque lieu. Au niveau du Stunt Show, le son a un effet "billard": il tape un peu partout avant de revenir, mais surtout, il n'a pas de largeur au niveau de la diffusion. Par contre, devant la Tour de la Terreur, il y a beaucoup plus de largeur et rien qui empêche le son de voyager correctement; il n'y a pas de retour. La difficulté, notamment quand le son revient, c'est d'avoir un bon équilibre entre la bande et les voix. Dans cette acoustique très particulière, les instruments sont privilégiés. Il faut donc ajuster le mixage des voix pour qu'elles soient bien perçues par le public.

Ces changements d'acoustiques doivent également avoir un impact sur l'interprétation des artistes.
C'est vrai, et c'est la raison pour laquelle nous privilégions toujours le port du "ear-monitor", deux oreillettes que portent nos chanteurs. Avant de monter sur scène, chaque chanteur fait une balance de ear monitor. Ils vont voir l'ingénieur du son qui leur envoie la bande, ils chantent tous les quatre et nous disent s'il y a trop de Marcy, pas assez de Zack, pas assez de musique. Pour ma part, je suis là à tous les rouages du spectacle pour mettre une goutte d'huile d'une certaine façon et pour faire en sorte que les choses avancent sur tous les plans.

Comment travaillez-vous avec la coach vocale Marina Albert?
Nous formons une équipe qui fonctionne très bien dans la mesure où nous ne marchons pas sur les plattes-bandes de l'autre. Et puis, nous avons des façons différentes de travailler, ce qui fait que nous sommes très complémentaires. Moi, je travaille très rarement avec la bande-spectacle; j'aime bien avoir les chanteurs autour du piano. J'en ai retiré beaucoup de plaisir sur le plan humain car c'est très agréable de travailler avec des jeunes comme cela, pleins de talent et d'énergie. Le travail au piano permet vraiment d'aller dans le détail ou à l'inverse de voyager musicalement avec eux.

Ce nouveau spectacle s'inscrit dans le prolongement des célébrations du 15e anniversaire de Disneyland Resort Paris. Comment vivez-vous cela?
C'est vraiment magique! Et puis, c'est l’occasion de regarder en arrière et de voir tout ce que nous avions pu réaliser en 15 années. Quelque part, nous avons commencé à laisser une empreinte unique dans l’histoire de Disneyland et il me semble que c’est là le plus important.

Merci à Robert, Aurélie et Nathalie!